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 英國《劍橋藝術史》認為藝術作品(美術作品)的分析方法主要有四個方面：

首先是看其功用目的，即服務于誰的問題；其二看其文化背景；第三看作品的寫實特色，有沒有形成什么風格；最后看其形式，如畫面構成技巧方面的特點。顯然，藝術語言，尤其是具有創造性和個性化的藝術語言在作品中的運用程度，是作品分析的一大重點。

分析攝影作品，許多人都有自己的一套主張，但不管怎么說，在分析過程中最基本的幾個步驟都是不可或缺的，那就是：看看、想想、看看、再想想。一看“說什么，二看怎么“說”，三看“說到了什么程度。分析一般都是從讀圖開始，分析者最好具備一定的視覺表達方面的知識，如視覺心理學、攝影術、攝影史和視覺語言等方面的知識．從畫面內外盡可能多地了解攝影畫面所要表達的真實意圖。其中值得注意的是，分析者必須明確他們將要分析的攝影作品所屬的類別以及它們各自所適用的基本的創作標準。一般的欣賞者讀懂了畫面也就不再企求什么了．但對較認真的欣賞者來說，他們并不滿足于讀懂畫面，他們還想讀懂攝影師，讀通這一類攝影作品，了解有關作品、作者和這類創作現象的更多的資料或信息．以便作進一步的比較研究．并且還要深入地對攝影作品本身的表達技巧進行剖析。

概括起來就是以下四個步驟：

1．從讀圖開始：

2．了解畫面的真實意圖：

3．解讀攝影師(如有可能的話，盡量去了解與作品創作相關的背景資料)：

4．分析畫面內容與形式(也可稱為“意義與結構”或“立意與表達”)的關系。

看立意——讀懂畫面的含義

審視攝影作品的標題，抓住畫面所揭示的主題標題(包括副標題)對大多數攝影作品來說，通常都屬于點睛之筆或是最簡練的內容概括。不管該攝影作品是系列照片，還是單幅照片，通過其標題的引導，你就會立即明確該作品所表達的內容及其大致含義。因此，我們看作品，應結合標題看畫面，或者說是聯系畫面看標題。標題中所提供的信息，有來自時間方面的(某年某月某日，表明某個特定歷史時期的)，有來自空間方面的(某某地方，表明特定的拍攝場所)，也有說明事件、情節的，甚至是表達某種特定的情緒心態和奇特感受的，這些都是作品中最重要的信息。

或者說是重要信息中的一部分。總之，標題能或多或少地明示或暗示該作品所要揭示的內容與創作者的立意。

結合畫面，由標題作引申，概括出作品的主題思想(立意)主題思想(立意)是作品的靈魂，是作品的價值所在。在具體的分析過程中．我們也是首先根據作品的立意來確定該作品的思想深度和人文方面的立場．并以此來推斷它的存在價值與社會效應的，從標題開始結合畫面推斷出作品的立意．再從對作品的一步步解讀中．仔細體會創作者對拍攝主題的提煉與概括．以及對各種表現技巧的駕馭．這實際上是對創作者心智運作過程的一次重現與還原n我們可以由此判斷出該攝影作品創作的成敗和思想品位的高下。

看表達——分析畫面內外的各種表現技巧

不管畫面立意有多重要．終究都要取決于畫面所采取的表達方式。立意一旦離開了表達，也就變得沒有意義了，因為只有表達出來的立意，才能為人所理解和接受。也就是說，我們大部分人所能理解和接受的意義．只能是被表達出來的意義。而理解與接受的程度，則完全取決于表達的程度。正因為如此，“高僧只說家常話。說給別人聽的，是為了讓人明白所說的意義，除非你壓根兒就不想讓別人明白。故弄玄虛，其目的只是為了顯示自己的“學識。然而，視覺的含義與文字的含義有很大的區別，事實上，具象本身就存在著顯著的意義，但這種顯著的意義往往是不經意和不確定的，在理解上具有多種可能性。視覺的表達，難就難在它表達的合乎目的性(即對具象特定含義的篩選與確認)。對攝影來說，只要拍出了圖像，就存在了意義的表達，問題就在于這一表達是否達意．是否與立意還有一段距離，而如何縮短甚至消除這一距離，正是我們學習攝影這一視覺表達手段的主要目的.

造型能力的分析判斷

構圖技巧分析

1．主體對象的選擇與強調。

這里主要包括：拍攝作品時鏡頭焦距的運用．景別的選擇與控制，拍攝距離、拍攝高度與拍攝方向上的考慮．背景的范圍、明暗和虛實等方面的控制，景深的選擇．運動的處理，神態的處理，情節的控制．瞬間的取舍，細節的刻畫．編輯或展示的思路和方案等．有效的手段．也可以說是唯一的途徑。每個具體的攝影畫面都應該如實地體現攝影師特定的拍攝意圖。攝影師憑借構圖手段來充分證明他在拍攝現場對某個拍攝主題的新發現，而攝影師的視覺發現則主要依賴于他對被攝主體的全新的觀察角度。新角度產生新感覺。在角度獨特的攝影畫面中，新感覺才能被充分有效地加以強調。因此，充分運用攝影獨特的表現手法來選擇與強調主體對象，也就成了攝影表達上的首要任務。如采用哪一段鏡頭焦距?選擇怎樣的拍攝角度?取什么樣的景別(如果是特寫．是采用廣角鏡頭靠近拍攝，還是采用長焦距鏡頭后退拍攝)?選什么樣的景深?畫面細節如何控制?虛實如何安排?瞬間如何選擇?影調如何處理?如果是系列照片，整體表現上又該如何構思?我們分析攝影作品，就是要看攝影師究竟是采用何種手段來突出畫面的主體，達到表現目的的。

就拍攝距離而言．其中便大有學問。有人說，距離產生美，指出保持距離在審美情狀下的重要性。但在很多情況下，我們不只是為了追求美，因為在創作中還有比美更重要的東西。正因為如此．羅伯特．卡帕就直言相告：“如果你的照片拍得不夠好，那是因為你離得不夠近。的確，對于新聞照片來說．重要的莫過于照片能如實地再現真實的現場感覺。當然，卡帕的這番言論還包含著另一層含義．那就是攝影師素質中更令人敬佩的執著、勇敢和隨時隨地都準備付出生命代價的犧牲精神。卡帕的主張對現代世界新聞攝影的影響尤為深刻。以紀實攝影見長的意大利現代攝影家恩佐．桑最主要的攝影經驗也是：“我寧愿靠近拍攝，而且靠得非常近。盡管他拍攝的大構圖是實現攝影師想法的最多不是新聞照片．但近距離拍攝所得到的卻是照片中拍攝行為的自行消解——畫面給人的感覺．已經完全無視照相機的存在，鏡頭的視點似乎已經消失在主觀感受之中．照片里剩下的只是怦然心動的那份真情實感了。無獨有偶，成功地自費環球拍攝世界政治文化名人的中國當代攝影家鄧偉也主張近距離拍攝人物肖像．為的是“要能聽得見彼此的心跳．這已經演化成了一種極具心理張力與人本精神的挑戰。

2．畫面空間的經營處理。

這里主要包括：形狀(主體形狀與背景形狀、)與畫面空間的關系，如“松與“緊、“疏與“密”等；均衡與畫面空間的關系．如傳統繪畫中的均衡原則在攝影中的運用，以及現代攝影構圖中均衡規則的新變化等：透視與畫面空間的關系，如畫面視角的開闊程度、遠近感覺和空間深度，不同焦距鏡頭對透視的夸張與壓縮處理等；動感與畫面空間的關系，如沉寂與飛動、內在的較為隱含的動感與外在的較為緊張激烈的動感對畫面空間形成與配置的影響：節奏與畫面空間，如節奏所產生的視覺愉悅感和視覺含義的完整表達．對畫外心理空間的建立所需要的象征性與寓意性(明示或暗示)因素的要求等。

3．畫面影調的構成。

指適應視覺表達的需要而確定的攝影畫面內的明暗配置情況，如：畫面調子輕重濃淡的取舍與合理的分配：影子的處理；畫面基調的確立：全影調照片的技術控制：黑白照片中的影調調節與反差控制：影調與畫面虛實感覺的關系：背景影調與主體影調的區分處理：整體影調效果與畫面情緒氣氛的關系等。

4．畫面線條的構成。

線條是構成攝影畫面主要造型感覺的最抽象也是最基本的視覺元素．它能強調出主體與背景的形狀．形成和諧的視覺秩序．產生畫面內外的視覺張力。在分析具體的攝影作品中，一般從畫面的主線著手，推斷出攝影師在創作時對畫面的主線進行提煉和截取的真實意圖。因為當我們順著主線的方向進行搜尋時．就可以非常自然地了解畫面所要表達的含義。因此，我們也通常將這一貫穿畫面情節內容的主線．稱為“視覺引導線。

5．畫面色彩的構成。

色彩感覺在視覺表達方面是最強烈．也是最外在化的，因而也是攝影創作中最難駕馭和最活躍的視覺元素。許多人奈何不了它．是因為不了解色彩的脾性．尤其在對客觀色的選擇與主觀色的控制方面，處處都有陷阱，時時都會面臨新的挑戰。用色不僅要有深厚的藝術修養．還得有獨特的色彩體驗和行之有效的創意表達方法。

6．畫面背景氣氛的營造。

視覺表達難就難在氣氛的表現。優秀的戲劇或電影導演，不光會導戲，更善于誘導氣氛。其實，拍攝照片也同

理。許多初學者拿起照相機拍照，“一葉障目，不見泰山”，只見主體，不見背景，注意力分配不當，全集中在主體一頭了，而在不知不覺間放棄了對整個畫面的全面經營。拍攝出來的照片，由于背景嚴重失控，主體的表現不得不受到來自背景雜亂因素的視覺干擾，以至于無法明確表達拍攝者的真正意圖。有經驗的攝影師知道，拍攝照片花在畫面背景上的時間與精力，要遠遠大于對主體選擇控制所需的時間與精力。在具體的操作過程中．背景往往比主體還重要，因為經營畫面必須有一個通盤的考慮。對攝影師來說，必須對畫面進行全面的控制。不光要以背景來有效地襯托主體，還要有意識地將背景因素當作與主體密切相關的信息來表達n其實。背景本身就是主體表達不可分割的一個有機組成部分。

用光技巧分析

攝影技巧在很大程度上就是用光技巧．攝影的成功首先是用光的成功．對光線的特殊敏感和細致人微的控制能力是攝影師應具備的必不可少的素質。光線的處理．在技巧方面只有充分到位，才有可能形成良好的表達效果，否則，再好的設想也無法在攝影畫面上體現。這里最重要的要數良好的用光意識與用光感覺了。區分專業還是業余，一看攝影畫面的用光意識．便可略知一二了。專業攝影師總是處處留意用光的技巧，甚至到了非常在意、幾近苛刻的程度。而且專業攝影師對光線的感覺顯得更為可貴．因為只有良好的用光感覺．才能在拍攝現場用最短的時間，極其果斷地對具體的用光方案和措施作出選擇和判斷，并在每一個具體細節上進行嚴格的控制。用光的感覺，已不只是一個熟練的技術與技巧的問題了．這里體現的更多的是一種晤性”，或者說是一種特殊的能力和天賦。舉個例子，絕大多數攝影師在拍攝人像時，都喜歡采用輪廓光，將人物從背景中區分出來，同時又可用來勾勒人物最值得表現部分的輪廓特征．從而達到美化人物的目的，于是許多人就以為這種用光就是一種經典的用光。但是，優秀的攝影師卻從不迷信任何一種所謂的經典用光，他總要去設法創新，去努力獲得全新的感覺。他們在使用輪廓光時就顯得十分小心，因為大家喜歡的已經用濫了的方式，其中必定是最缺乏創意的，而且會顯得媚俗。因此．他們往往改用最樸實和最不起眼的背景光來取代輪廓光，而且改用對畫面氣氛的營造來替代對人物主體的美化，這樣反而令人物顯得更具“內涵”。其實，這才是一種更智慧的做法。

滲其他綜合技巧的合理運用視覺語言有其局限性，攝影當然也不例外。其一，攝影只是屬于視覺的，它肯定沒法被聽見或被嗅到：其二，攝影所展示的空間只是二維的平面空間，它根本無法與真實的三維世界相提并論；其三，攝影又是靜態的表現，它只是截取了運動中的一個瞬間，而決不是對一個過程的忠實復寫，它在時間與空間上都受到了極其嚴格的限制——只是永恒的時空鏈條中的一個“切片”!擺在我們面前的這些限制，都是無可爭辯、無可奈何的事實。然而，有限制就會有突破，或者從另一個角度說．正是因為有了某種限制，我們才有可能找到自己的落腳位置和生存發展的空間，我們才有可能充分看清這些限制．并且以此出發試圖去打破這些限制，以拓寬其疆界。不少有經驗的攝影師，他們在打破攝影局限性方面早已作出了許多富有成效的努力，如他們綜合了攝影或傳統視覺語言中的種種技巧．有的甚至還運用了視知覺心理學方面的最新科研成果。我們在分析其作品時，應當充分注意到這一點。

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